Carta para alguém bem perto: um convite à subjetividade

Fernanda Young chega perto do leitor ao optar por linguagem simples

Por Danielle de Moraes

Cartas sempre foram para mim muito mais do que um simples meio de comunicação. Costumo dizer que são uma das mais belas formas de expressão. Pode ser que eu pense isso por gostar de escrever, mas acredito que elas carregam uma carga bem mais profunda de emoções do que qualquer email e são mais tocantes do que muitos telefonemas. Já tinha ouvido falar de Fernanda Young por uma amiga, ela havia lido Vergonha dos Pés, primeiro romance da escritora e elogiado a obra. Foi quando fui tomada por curiosidade e resolvi, há alguns anos, ler Carta para alguém bem perto, obra que já me chamou a atenção pelo titulo.
Young envolve o leitor pela forma simples de abordar temáticas subjetivas e pelo estilo direto de escrever. A linguagem coloquial do livro prende a atenção, é como se estivéssemos participando de uma conversa, tamanha a simplicidade da narrativa.
Entrei na vida, nos sonhos, nas angústias, nos medos, nas frustrações, na solidão de Ariana, personagem principal da história. Ariana é uma mulher de meia idade, casada com um empresário, que precisa administrar a casa, os empregados e a vida da filha, Danielle. Coincidência ou não, o pouco que falei da obra apresenta algumas semelhanças comigo. A filhinha certinha da protagonista tem o meu nome. Ariana não gosta do nome da filha, consequentemente, não gosta do meu nome. Reclama do nome da filha ser Danielle com dois éles. Além disso, sou de 11 de abril. Sou ariana, tenho um pouco daquela mulher. Na verdade, acho que todas temos um pouco dela em alguns momentos. Quem nunca pensou em abandonar velhos hábitos que foram se construindo por obrigação? Quem nunca desejou jogar para o alto algumas conquistas e traçar um outro destino? Quem nunca viveu a angústia de viver de aparência em alguma situação? Quem nunca foi tomado por frustrações por abandonar sonhos antigos? Ariana está, de alguma forma, em todos nós. É por essa identificação que temos prazer em vibrar junto á Ariana, em torcer para ela se realizar, em lamentar cada momento de solidão.
Fernanda não está interessada em ser políticamente correta, não pretende reforçar falsos moralismos e é capaz de chocar os mais conservadores. Ariana, a mãe de família, casada com empresário, mulher que deveria estar acostumada às regras sociais sente-se sozinha, apesar da sempre haver algum empregado em sua casa. Ela, uma mulher séria, deveria ser invadida pela vontade de fumar um baseado? Não? E quem determina as vontades humanas? A idade e as responsabilidades guiariam esses desejos? Ariana não só fuma maconha, como provoca o marido ao alimentar aventura carnal com uma amiga que passa uma temporada em sua casa.
Ariana era para ser uma dona de casa tradicional, não precisa trabalhar porque o marido não deixa faltar nada. Mas ela não se satisfaz, quer muito mais. Por que ela havia adormecido a paixão pelo balé? Também estaria velha demais para isso? Ariana não suporta ser apenas a mãe de Danielle, a mulher do empresário renomado, a patroa. Ariana quer viver bem mais intensamente, precisa de uma vida mais apaixonada, dias mais emocionantes, amigos por perto, gente que goste de dividir suas vidas com ela. É quando decide viajar com um velho amigo concertista e portador do vírus HIV pela Riviera Francesa. Ariana tem a chance de ficar longe de tudo, rever seus dias, pensar sobre como a sua vida havia se construído e como seria o seu futuro. Era tudo o que ela precisava: um tempo do marido, alguns momentos longe da filha. Talvez ela precisasse mesmo sentir falta da mãe, as diferenças das duas eram gritantes, mas Danielle poderia aprender a reconhecer a importância de Ariana. Além disso, ela estava com o amigo, aquela pessoa tão amada que estava passando por momentos tão angustiantes. Os dois queriam a morte longe, precisavam de mais alegria, uma vida mais intensa, menos preocupada com o futuro, bem mais interessada em um presente mais feliz .
Encontramos, nas 382 páginas do livro, alguns diálogos de Ariana com as pessoas que participam de sua vida que nos ajudam a desvendar ainda mais a personalidade da personagem. Não são tão longos, mas necessários. Dão ritmo à narrativa, que permanece constante, embora não seja estagnado. Queremos descobrir os próximos passos da personagem, como ela vai enfrentar algumas situações.
Se Young vai ser sucesso dentro do universo masculino, com as vendas da Playboy deste mês, não sabemos, mas o estilo envolvente de escrever já conquistou muitas pessoas – inclusive a Danielle com dois éles, a ariana que não tem uma mãe chamada Ariana, mas guarda um pouco de cada personagem intenso criado pela escritora dentro de si.



Com narrativa leve, Fernanda Young chama a atenção do leitor em Carta para alguém bem perto

As palavras escritas de Caio Fernando Abreu

Jornalista Paula Dip lança biografia do escritor e conta histórias e curiosidades através de cartas

Por Gilberto Tenório

Caio Fernando Abreu é um dos escritores contemporâneos mais devassados da literatura brasileira. Seus textos foram analisados à exaustão e muitos deles já serviram como argumento de curtas-metragens e programas de TV. Mesmo assim, a força da sua obra permanece viva e dá respaldo para o lançamento de mais uma biografia do autor, o livro Para Sempre Teu, Caio F. Escrito pela jornalista, e amiga íntima de Abreu, Paula Dip, o livro se destaca por contar as histórias do escritor através das cartas trocadas entre eles.

Paula Dip escreveu o livro como quem confidencia a convivência com Caio F. desde 1979, quando o conheceu na redação da Editora Abril até a morte dele. Ao longo das quase 500 páginas, a jornalista leva o leitor por uma forma inovadora de registro biográfico que contém depoimentos dos grandes e pequenos amigos que passaram e fizeram parte da vida de Caio Fernando Abreu. Ela transporta essas confissões para as páginas e faz com que seu livro ganhe leveza e saia na frente no quesito entretenimento. Ela transcreve ainda cartas, bilhetes, telefonemas e depoimentos de muita gente importante que conviveu com ele como Maria Adelaide Amaral, Adriana Calcanhoto, Joyce Pascowitch, Lya Luft, Laura Finochiaro, entre outras.

Entre inúmeras lembranças, ela transporta o leitor à cidade natal de Caio, Santiago do Boqueirão, na fronteira do Rio Grande do Sul com a Argentina, remontando sua história até se tornar o escritor ícone da juventude da década de 1980. Costurando várias passagens de sua vida, Paula retrata um Caio ora tímido ora feroz, tão delicado quanto inquieto, mas sempre genial.

O tempo não apagou.

Após 20 anos de abertura democrática Pessach é, sem dúvida, um livro que deve ser lido com atenção.

Por Andreane Carvalho

Os que apreciam literatura compreendem que há bons romances que são eternos, não se perdem com o passar dos anos. Há, também, aqueles que são como rios intermitentes. Em determinados períodos “desaparecem”, mas nem por isso deixam de ser boas histórias. Quando nos reencontramos com elas, as obras intermitentes demonstram a força e a beleza que os anos e a história lhes deram. Pessach: a Travessia, de Carlos Heitor Cony, é um desses. De tão intermitente, o autor chegou a considerar a não reedição da obra, temendo “que o livro estivesse datado”. De fato, não se pode esperar que um romance sobre a militância de um escritor burguês em um movimento contra a ditadura militar brasileira seja uma obra perene. No entanto, após 20 anos de abertura democrática Pessach é, sem dúvida, um livro que deve ser lido com atenção.

Trata-se da obra mais politizada/política do autor. Por trás da história de Paulo Simões, escritor burguês e apolítico que, ao completar 40 anos de vida, vê-se envolto em trama política/existencial até então inédita em sua biografia, a obra de Cony faz-nos refletir sobre o passado de um país em que esquerda e direita políticas confundem-se e posturas antes antagônicas misturam-se no emaranhado de falcatruas já assimiladas. O gramscianismo virulento da classe intelectual brasileira não afeta Paulo. Os dramas sociais dos oprimidos pelo sistema não fazem parte de sua literatura ou de sua atuação intelectual. Ele se entende como escritor que não se importa com esquerda, direita ou centro, mas apenas pretende uma boa vendagem de seus livros.

O protagonista reveste-se da resignação daqueles que já não sofrem de paixão ou amargura. Contenta-se em olhar no espelho diariamente e dar-se com um estranho. Há, no entanto, apenas um fato que ainda o perturba. A herança judaica, negada por seu pai, do qual herdara o sobrenome Simon que jamais assume, empurra Paulo Simões para a travessia. Não aquela a que os judeus foram liderados por Moisés rumo à terra prometida, mas uma travessia de si e para si. A circuncisão, marca corporal do judaísmo de Paulo, tem efeito freudiano em sua dúvida existencial. Age como pulsão de morte e vida, levando-o a questionar se o movimento no qual se viu envolvido à força, seqüestrado e privado de liberdade, não foi perseguido por ele, ao invés de persegui-lo. A travessia, portanto, é algo mais duro e difícil do que abrir as águas do Mar Vermelho. É um movimento que só se consegue após o questionamento da própria existência.

Se, por um lado, Pessach nos traz reflexões acerca de nós mesmos que, em tempos de “pós-modernices” destemperadas parecem perder a importância, por outro nos faz lembrar o quão obscuros foram os anos de chumbo da ditadura militar. Embora se trate de uma ficção, a obra serve para nos alertar de que não apenas os porões da ditadura eram lugares inóspitos em que ninguém gostaria de pisar, mas também os acampamentos dos diversos e discordantes movimentos de esquerda/revolucionários da época dispunham de seus aparatos de imposição de idéias, os quais não eram nada “ideológicos”.

Escrito ainda sob o manto censor do regime militar, Pessach: A Travessia é, sem dúvida, uma grande obra de um dos grandes autores da literatura brasileira contemporânea. E como tal, merece ser lido e relido, pois a cada página nos faz refletir sobre passado, presente e futuro. Sobre nós mesmos, e sobre a vida que nos circunda.

Apesar de pieguices saga literária de Crepúsculo prende

Modinha para os adolescentes de hoje Crepúsculo pode ser algo mais

Por Otacilio Gaudencio

Parece que toda década tem uma parcela dedicada aos vampiros. Um mito tão antigo, mas que mesmo assim parece ocupar um lugar especial no imaginário humano. E eis que os anos 2000 não estão sendo diferentes. A saga Crepúsculo (Twilight) já é um dos maiores fenômenos literários desde a morte de Harry Potter. Lançada em 2007, ela fez o grande favor de retirar os vampiros de seus caixões para o final da primeira década do século.

O livro Crepúsculo (que intitula a saga) é o primeiro de quatro livros lançados. Para ser sincero, eu comecei a ler o livro sem fazer a mínima idéia do que se tratava, eu nem se quer li a contracapa. E somente quase na metade fui entender que se trava de vampiros. Uma ótima jogada, pois isso foi o que me prendeu a ele até aquele ponto.

O enredo conta estória de uma garota, Bella, que se muda para uma pequena cidade em Washington, e, recém chegada, conhece um grupo de irmãos esquisitos do qual se apaixona por um deles, Edward. No meio do livro ela descobre que eles fazem parte de um grupo de vampiros que não bebem sangue humano, eles são “vegetarianos”, só bebem sangue de animais selvagens. Ruim para o equilíbrio ecológico da região. Ela também descobre que cada um deles tem um “dom” especial que adquiriram ao se tornarem vampiros. São dons como prever o futuro, controlar o humor das pessoas, localizar pessoas e o de Edward, que é ler a mente das pessoas. E que por algum motivo não é capaz de ler a mente de Bella...

A narrativa é feita em primeira pessoa pela protagonista, Bella. É um livro razoavelmente cansativo e nitidamente para adolescentes, como se a autora fosse uma aprendiz de J.K. Rowlling escrevendo para os leitores de Harry Potter já saídos da puberdade. É óbvio que o livro foi feito para meninas de colegial. A maneira como a narrativa é quebrada para que Bella fale o quão o seu amado é lindo, irrita. E como irrita! Cansa bastante a quantidade de vezes em que se para uma linha de raciocínio para se dizer coisas como “eu me esqueci como se respirava ao olhar pra ele” ou “E ao olhara para ele, esquecia que ele era encantador e perfeito, era impossível eu parar de olhar para ele” e coisas mais piegas que isso.

Mas o pior fica por parte da “discussão da relação”. O que se mostrou uma constante na saga inteira (pelo menos até o 3º livro). Sempre há um capitulo que é para discussão da relação deles e que se o leitor for sagaz, ele pula, afinal não vai fazer a mínima diferença para a compreensão da estória como todo. Parece que esses capítulos só servem para encher lingüiça, coisa que a autora faz quase bem.

Mas o que prende no livro, para os que não são as menininhas colegiais que ainda acreditam em amores daquele estilo (fruto de uma limitação mental causada pela imaturidade), são os mistérios que vão surgindo durante a trama.

No segundo livro, Lua Nova, do qual acaba de ser lançado o filme, um dos personagens mais consistentes (se não o mais) e interessantes da saga ganha seu merecido espaço: Jacob. Por isso o título do livro! Depois de alguns incidentes do fim do primeiro livro e do início deste, Edward, “a-coisa-mais-perfeita-que-a-protagonista-já-viu” decide dar um pé na bunda da querida para o próprio bem dela. E ao cair em depressão profunda, a figura do amigo Jacob se torna um grande suporte para superar a dor da perca do amado. O amigo se torna o maior consolo. Mas agora além de vampiros também aparecem os “lobisomens” ou “alternadores de corpos” (?) (shapeshifters) que se transformam em lobos. E Jacob, do meio pro fim se torna um dos lobisomens, que por sua vez são inimigos naturais dos vampiros. Então vocês já entenderam, né?

Mas o segundo livro, apesar de ter pontos chatos, e ter o capítulo de “discussão de relação” mais chato de toda a saga, dá a bola da vez para Jacob, o personagem mais consistente e que vai ser o detentor dos pontos mais interessantes da saga. Ao contrario do amor entre Bella e Edward, o amor que Jacob sente por Bella e ela por ele é natural, sem nenhum tipo de “forçassão” ou imagem utópica. Ele é sóbrio, está para ela independente de qualquer coisa. Em uma das passagens, talvez uma das melhores da saga, ele fala para ela “Eu seria o seu sol, o seu ar, água que você bebe e que lhe mantêm viva. Ele é apenas uma droga pra você, ele apenas te entorpece” Bonito, né? Mas o motivo de todo esse amor só é explicado no quarto e último livro da saga...

É também no segundo livro, que surgem o grupo de personagens que vão ser determinantes para a saga inteira. Os Volturi, a “realeza” vampiresca européia, o grupo de vampiros mais antigos da terra com mais de 3 mil anos de vida, ou de falta dela. Eles têm participação significativa no que realmente interessa da saga e talvez pudessem ter sido mais bem explorados pela autora. Vão ser personagens extremamente importantes para o desenrolar da trama...

Bem, a partir deste ponto, qualquer detalhe que eu der vai tirar todo e qualquer barato de ler a saga, ela é toda interligada e coisas iniciadas no primeiro livro, são terminadas no terceiro, dúvidas do segundo são esclarecidas no quarto e assim por diante. E elas são muitas.

O terceiro, Eclipse, serve mais para finalizar problemas relacionados ao primeiro e ao segundo livro e para abrir margem para o grande contexto final da estória, e que causa várias duvidas e mistérios perante o final. Ele não tem nada demais, segue a linha dos dois primeiros, sempre com uma grande tensão nos capítulos finais. O livro pontua a divisão que Bella sente entre os seus dois amores. É nele que Bella começa a perder merecidamente o espaço na narração para Jacob.

E é no quarto livro, “Amanhecer”, o melhor de todos da saga, que tudo acontece, que todas as dúvidas são tiradas e tudo que ficou nebuloso nos outros livros é esclarecido. É nele também que o amor entre os protagonistas é expresso de uma maneira mais sóbria, com menos pieguices. É nele também que acontecem os fatos mais surpreendentes e determinantes da saga. É nele, por exemplo, que é explicado o motivo de Edward não conseguir ler os pensamentos de Bella. Ah, e parte dele se passa no Brasil.

Mas pelo o que tudo indica, não haverá um quinto livro. Após ter os “manuscritos virtuais” de “Midinight Sun” (Sol da Meia Noite) roubados, a autora, Stephanie Mayer se irritou e disse que não vai escrever mais nada. O livro se tratava da história do primeiro sendo que narrado pela perspectiva de Edward, e pode ser encontrado na internet incompleto até o capitulo 15. Talvez a autora devesse estar mais preocupada em dar uma continuação aos fatos do quarto livro, do que dar uma nova perspectiva do primeiro.

A saga crepúsculo é assim, para ser lida na alienação, sem se saber nada sobre ela, o que é bem difícil hoje em dia. No fim, a sensação que se tem é que Harry Potter criou um estilo, um modelo do qual Twilight está seguindo e do qual outros seguirão. A saga originou uma serie de filmes, uma serie de TV (True Blood) que é sua versão mais tosca e menos correta. E parece que a sua intenção é durar mais tempo que em outras décadas. Tudo indica que a modinha vampiresca dos anos 2000 entre um pouco na próxima década.

O que crepúsculo quer dizer ao mundo? Talvez muita coisa se prestarmos atenção às entrelinhas. Às vezes parece que ela está preparando as pessoas para algo novo. Para um mundo tão surreal quanto o dos vampiros. E no fim, fica aquela curiosidade, será que eles realmente existem, ou existiram? A cada década, eles ficam mais científicos e menos mitológicos, talvez daqui pro fim deste século, vampiros vão ser pessoas que apenas bebem sangue de galinha.

LITERATURA NO DIVÃ

Autor carioca faz de sua trama uma análise psicológica e social sobre um casal em crise que abandona tudo para voltar às origens

Por Paulo Floro

Rodrigo Lacerda está interessado em seu novo livro numa espécie de onisciência que faz um julgamento constante de seus personagens. É como se eles estivessem vigiados sob seu olhar crítico, sem condescendências. Não está interessado nas individualidades, nem pormenoriza atos ou pensamentos, tanto que seus personagens não tem nome, apenas algo que os identifiquem, como a relação de parentesco ou cargo (o filho, a mulher, o amante, o deputado). Dito isso, é pouco dizer que Outra Vida, do escritor carioca Rodrigo Lacerda é um romance sobre relacionamentos.

Uma das atrações da Flip deste ano, Lacerda, autor de Vista do Rio (Cosac Naify, 2004) e O Mistério do Leão Rampante (Atelier Editorial, 1995), pelo qual venceu o Jabuti de Melhor Romance procura fazer uma tour analítica neste novo livro, mas outras leituras podem ser obtidas, descortinando pequenas nuançes que o autor escondeu em sua narrativa. Outra Vida perpassa duas horas de um casal em uma rodoviária. Acompanhados pela filha pequena, eles estão voltando para a pequena cidade no litoral, de onde se conheceram. O marido está aliviado e ansioso pela volta, ainda que esteja consternado pela situação da mulher, que rejeita esse retorno. Ele se envolveu num esquema corrupto envolvendo fraude em licitações públicas.

Este pano de fundo, que critica um status quo corrupto no País é bastante verossímel e mesmo que por vezes se perca na trama, é interessante por situar os personagens em algo mais próximo ao leitor. Chega a ser familiar e recente algumas passagens. Já o que torna o livro distante - e por vezes modorrento - é a certa prepotência com que o narrador onisciente analisa os personagens. Não existem descrições nem sugestões, tudo aqui é debulhado, criando uma barreira para que o leitor se aproxime dos personagens.

Lacerda tem pulso firme em sua narrativa e trama. Não quer dar empatia aos personagens, eles nem mesmo tem voz, ou sequer diálogos. É uma formatação tão rígida, que chega a ser admirável em sua complexidade. O autor é um júri e analista, sempre dissecando a psique de seus atores e de quem mais estiver ao redor. Nesse sentido sua literatura se aproxima dos romancistas realistas como Gustave Flaubért, com a diferença de que, ao contrário do autor de Madame Bovary, Lacerda não deixa margens para descobertas por parte do leitor.

Seu êxito é mesmo traduzir a crise dos relacionamentos, usando apenas três arquétipos de personagens, a mãe/mulher, o marido e a filha. Em apenas um dia - e muitas divagações e flashbacks - o autor discute dilemas éticos, morais, sociais, mas o que toca mesmo é o modo frio com que mostra que, a partir de pequenas escolhas, uma outra vida que poderia ter sido, e não foi.

Enquanto as coisas se desintegravam, ninguém prestava muita atenção

Anos 80

Em “O Psicopata Americano”, Bret Easton Ellis transforma o american way of life em um violento pesadelo

Por Leandro Gantois

Christian Bale na adaptação cinematográfica de Bret Easton Ellis

A década de 80 virou um grande símbolo da falta de esperança e de um completo sentimento de vazio provocado pela recessão econômica, Guerra Fria, cortina de ferro e pela AIDS. A “triste segunda-feira”, como cantava a banda New Order, marcada pela ressaca moral dos anos 60 e 70 culminou com um total distanciamento da sociedade com a realidade. As pessoas começaram a se entregar rapidamente a um prazer escapista, achando soluções no mundo da moda, e no entretenimento de Hollywood e das canções pop. É justamente nesse panorama que está inclusa toda a obra do escritor americano Bret Easton Ellis e mais especificamente em seu livro capital, “O Psicopata Americano”, lançado em 1991, uma irônica denuncia de uma geração perdida em futilidades.

A trama é narrada em primeira pessoa pelo yuppie Patrick Bateman, um entediado milionário de 26 anos, morador de Manhattan, em Nova York. Bateman tem um grande fascínio por limpeza e por roupas de grifes, além de assassinar mendigos e prostitutas. Entretanto, o estranhamento à violência da história não está presente nos crimes cometidos pelo protagonista, longe disso, mas ao seu comportamento social. O endinheirado Bateman mostra um completo desprezo pela sociedade, culminando em comentários que dificilmente passam sem provocar nojo no leitor. O narrador homicida descreve o mundo através de uma ótica materialista e vazia.

Nas quase 500 páginas do livro, Patrick Bateman jamais descreve as pessoas com características psicológicas, mas apenas com aquilo com que estão vestindo: “Van Patten está usando jaquetão esporte de lã e seda com braguilhas de botão e pregueado invertido da Mario Valentino, camisa de algodão da Gitman Brothers, gravata de pois de seda da Bill Blass e sapatos de couro da Brooks Brothers”, diz o narrador em uma das passagens. Bateman ainda discute com um amigo durante um capitulo inteiro sobre quem tem o melhor aparelho de som e em outro faz uma análise completa de todos os discos lançados pela Whitney Houston. Em um diferente momento, o psicopata americano oferece uma nota de cem dólares a um mendigo e em seguida toca fogo na cédula para acender um charuto cubano gritando: “arranje um trabalho, vagabundo”.

Com a violência das ações de seu personagem principal, o autor Bret Easton Ellis consegue realmente chocar o leitor sobre a idéia da imagem acima do conteúdo. Easton Ellis, considerado por muito como membro da Geração X da literatura americana, recorre sempre aos mesmos temas para descrever e criticar a fluída sociedade pós-moderna, como faria mais tarde ao ridicularizar o mundo da moda em “Glamorama” (1998) e na tênue relação entre ficção e realidade em “Lunar Park” (2005). E mesmo utilizando uma linguagem rápida, quase de videoclipe, Easton Ellis trás reflexões profundas e pesadas ao leitor, que precisa parar e digerir o capítulo anterior para poder passar ao próximo.

Seria quase impossível não fazer uma comparação de “O Psicopata Americano” com “A Fogueira das Vaidades” de Tom Wolfe. Lançado cinco anos antes, em 1987, o livro também mostra o artificial mundo yuppie da elite endinheirada de Manhattan. Wolfe e Easton Ellis também se assemelham pelo uso constante da ironia e do sarcasmo. Outra semelhança entre ambos é a opinião do jornalista Paulo Francis sobre as duas polêmicas obras. Francis diz que o sucesso dos livros não está apenas na crítica social, mas principalmente na curiosidade vouyer da classe média para saber como vivem os donos do mundo de Nova York. Francis parece conseguir ser mais irônico que os dois autores, já que diz que o sucesso deles está justamente naquilo que criticam.

“O Psicopata Americano” continua sendo uma obra polêmica e uma genial análise sobre a sociedade das aparências das elites. Bret Easton Ellis conseguiu escrever uma violenta e assustadora prosa que chega a ser um soco no estômago do leitor. O livro, infelizmente, continua sendo atual, afinal pouca coisa mudou em duas décadas e o consumismo exagerado ainda é o sonho de muitos. Easton Ellis assim conseguiu montar através de Patrick Bateman um panorama nada confortável da pós-modernidade e qualquer leitor dificilmente não sentirá certa ânsia de vômito com os comentários do protagonista. Ou seja, é triste anunciar que em 2009, aquele mundo dominado por Ronald Reagan e Margaret Thatcher permanece inalterável.

Do crítico ao caricato

Hairspray, em adaptação de Miguel Falabella, tem atuações corretas, embora exageradas.

Por Andreane Carvalho

Naturalmente, o musical Hairspray, com roteiro adaptado e direção de Miguel Falabella, chama a atenção do público com um elenco recheado de globais. Afinal, quem não gostaria de ver o galã Edson Celulari interpretar uma mulher ou Danielle Winnits com um vestido super decotado. A trama se passa na cidade de Baltimore, nos anos 1960, em meio aos ritmos dançantes que balançavam os corpos juvenis em programas de televisão e ao questionamento das segregações sociais.

O primeiro ato abre com Simone Gutierrez, a atriz revelação e protagonista, interpretando a simpática e gordinha Tracy Turnblad, uma adolescente que sonha em virar estrela do programa “Corny Collins Show”. Ela carrega uma grande peruca na cabeça, moldada com o laquê Pegada Firme, o coadjuvante de luxo do espetáculo. Toda a arte da embalagem e da publicidade do spray, muito bonita por sinal, foi criada exclusivamente para a peça. Em três meses de temporada carioca, a produção informa que já foram consumidos mais de dois mil tubos do laquê. Pobre camada de ozônio.

No enredo, apesar de estar fora dos padrões estéticos impostos pela sociedade, a jovem Tracy parte em busca do estrelato. Simone consegue dar muita vida à personagem, numa mistura de interpretação impecável e carisma. Mesmo acima do peso e com um metro e meio de altura, como pede o roteiro original, a atriz executa os passos de dança com técnica, deixando o público deslumbrado e de olhos fixos em cada gesto.

Entre gritinhos e aplausos da platéia, quem entra logo após é Edson Celulari, no papel de Edna Turnblad, a mãe de Tracy. Com um vestido azul estampado com flores, bobes na cabeça e um par de pantufas de pelúcia nos pés, Celulari deixa a desejar logo de início, sem muita dedicação. Talvez, por se tratar de um espetáculo de quase três horas, montado com coreografias quase que acrobáticas, o ator deve tenha optado por “descansar” no primeiro ato. No segundo ele mantém o tom e o humor exigidos, mas, mesmo assim, sem muita semelhança com John Travolta, ator que arrasa na versão cinematográfica.

Já Arlete Salles, como a mãe da antagonista Amber, a jovem loira (e fútil), não se diferencia muito dos papéis que fez em “Toma lá da cá” ou no extinto “Sai de Baixo”. As piadas inspiradas no estilo do humor barraqueiro, escrachado e caricato dos dois programas, também dirigidos por Falabella, fazem o público confundi-la com as personagens que já atuou. Danielle Winnits também não fica para trás, forçando a voz gasguita para dar uma ingenuidade adolescente.

Os 20 cenários são de autoria de Renato Scripilitti. Simples, mas, com cores vibrantes e de fácil mobilidade, cumprem o seu objetivo de identificar locais e épocas. O figurino, assinado por Marcelo Pies, também evoca o contexto dos anos 1960 e é fiel ao Hairspray que estreou em 2002 na Broadway.

Com qualidades técnicas invejáveis e extremamente bem realizadas, a montagem brasileira de Hairspray se apresenta como uma obra competente e comparável à original, sobretudo no que diz respeito à tradução das letras que fazem parte da trilha sonora, muito bem dirigida por Felipe Senna. No entanto, a interpretação exagerada de alguns atores, necessária em alguns contextos, mas forçada em boa parte dos casos, como Jonatas Faro, o bonitão Link, é carregada e prejudica a adaptação.

Metalinguagem Cênica

Tucap

Depois de um hiato de 12 anos, o Tucap volta aos palcos com a peça “Vidas Passadas e Engomadas”

Por Leandro Gantois

O Grupo de Teatro da Universidade Católica de Pernambuco (Tucap) foi criado em 1967 e fez montagens memoráveis de importantes obras da dramaturgia brasileira como “Eles não usam Black-tie” de Gianfrancesco Guarnieri e “Toda Nudez será castigada” de Nelson Rodrigues. Após três décadas e inúmeros prêmios, as atividades do Tucap foram encerradas em 1997 com “Dois Perdidos Numa Noite Suja” de Plínio Marcos. 12 anos depois, o grupo universitário volta aos palcos com a peça “Vidas Passadas e Engomadas”, que teve estreia na ultima quinta-feira no Teatro Barreto Junior, no Pina.

A trama explora bastante a metalinguagem ao mostrar os bastidores de uma peça de teatro. Na história, uma atriz coadjuvante é misteriosamente assassinada durante a montagem de uma tragédia nordestina. A partir disso, todos os personagens desfilam seus defeitos e toda a falsidade em busca da autopromoção. Com bastante ironia e sarcasmo, o jovem dramaturgo Leo Tabosa explora até certos estereótipos do universo teatral, mas sem cair em um preconceito. Assim, temos a atriz protagonista sem talento, o diretor arrogante, o ator que não sai do armário e até uma contra-regra lésbica com o apelido de “Paulão”.

Já nos elementos cênicos, a direção de Hugo Ara expõe bem, por exemplo, a instabilidade do diretor-personagem ao querer mudar a todo instante a iluminação, o gelo seco, o figurino e os cenários. Ou seja, por estar ambientada em uma própria peça, toda a técnica teatral é usada como forma de explicar ao espectador como funcionam os bastidores. Embora, nesta obra específica, são os diálogos, na verdade, que fazem o grande diferencial. Com um estilo verborrágico, a trama jamais perde o ritmo conseguindo prender a atenção até um inesperado e divertido clímax.

Aliás, pelo estilo e pela própria trama, seria quase impossível não fazer um paralelo com o filme “Tiros na Broadway”, de Woody Allen. Não posso afirmar que Leo Tabosa teve influências da película, mas ambos tratam quase do mesmo assunto. Na obra de Woody Allen, um dramaturgo é obrigado a ceder a exigências de um produtor gangster ao mesmo tempo em que enfrenta uma atriz com crise de estrelismo, uma ex-namorada sem talento e vários coadjuvante problemáticos. E assim como Woody Allen, Leo Tabosa cria uma comédia inteligente e ácida.

“Vidas Passadas e Engomadas” marca assim, o retorno em grande estilo do Tucap, não apenas com uma peça de teatro universitário, mas uma obra adulta, divertida e crítica. Esperamos assim, que a Universidade Católica de Pernambuco continue a incentivar jovens artistas a escreverem boas obras e que o Tucap possa retomar a fase áurea do passado. Afinal de contas, a cultura não é supérflua, como o Estado costuma afirmar através da falta de investimento. Ou seja, nada melhor do que um ambiente acadêmico para revelar novos talentos, ainda mais em uma área normalmente esquecida, o teatro. E que “Vidas Passadas e Engomadas” seja a primeira de muitas.

De graça e com graça

Peça Cordel do amor sem fim, de Samuel Santos, diferencia-se por abrir diálogo entre diretor, público e atores

Por Danielle de Moraes

Espaço Compassos, Rua da Moeda, número 93. Tinha que chegar à esse local para assistir Cordel do amor sem fim, em cartaz por todo o mês de novembro. Normalmente vou à Rua da Moeda à noite para encontrar com amigos e reduzir o estresse da semana tomando aquela cervejinha. Encontrar bares é, definitivamente, mais simples para mim. Cheguei ao número 93 e o que encontro? Um bar! Fiquei um pouco desnorteada, mas dois senhores que estavam batendo papo logo disseram para dobrar a direita e entrar na primeira porta que encontrasse. Era uma porta estreita, mas na frente havia um rapaz para confirmar que eu havia, enfim, chegado ao meu destino e que a peça havia começado há cinco minutos. Subi, na escuridão, algumas escadas também bem estreitas e me deparei com um espaço pequeno, mas com um público considerável para um espetáculo pouco divulgado. As pessoas estavam envolvidas pela atuação dos quatro atores que interpretavam as irmãs Tereza, Madalena e Carminha, e José, o homem rude apaixonado por Tereza.
Além deles, notei imediatamente a presença de um rapaz, Bruno Rodrigues, sentado no canto esquerdo do palco que tocava violão e percussão, dando ritmo à apresentação. Quando falo de palco, me refiro ao espaço delimitado aos atores para a encenação. Na verdade, o que os dividia do público eram poucos fios e alguns refletores em formato de concha. O cenário era bem simples. Utilizavam uma porta que se desmontava em quatro partes e servia de assento para os bancos, algumas luzes envolvidas por uma renda que lembrava pequenos mosqueteiros e objetos que remetiam ao ambiente em que a história se passava, a cidade de Cariranha, na Bahia. Colher de pau, caldeirão, pilão, lençóis, bacias, velas, faca e corda foram os objetos que, apesar de simples, serviram para localizar o espectador e guiá-lo na história.
Três coisas me chamaram muita atenção durante a peça: a atuação dos atores, a iluminação e a sonoplastia. Os quatro atores desempenharam, ao longo da peça, papel de personagem e narrador. Isso foi feito de forma que o público não se confundiu. Apesar do ator Thomáz Aquino interpretar José, de Agrinez Melo viver Carminha e Monalize Mendonça ser Tereza, eles também desempenharam brilhantemente a função de narrador. A atriz Nana Sodré deu vida à Madalena, a mais carrancuda e intransigente das três irmãs, à Antônio, o grande amor da sonhadora Tereza e também foi narradora. Entretanto, esses papéis não se misturavam. O espectador tinha plena consciência de quem cada ator interpretava em cada parte da trama.
As expressões marcantes, os gestos fortes, o olhar foram os grandes responsáveis por guiar o público. Tereza, por exemplo, personificava a liberdade, tinha braços soltos, corpo livre e fazia movimentos com base no Tai Chi Chuan. Madalena, ao contrário, era encurvada, fechada, de tudo reclamava. Carminha vivia entre as duas e tinha sua vida marcada pelo amor contido à José, homem bruto que amava de forma doentia Tereza, a moça sonhadora que conheceu Antônio no Cais e passou a vida esperando por sua volta. As vozes dos atores também modificaram quando deixavam de ser personagens e passavam a ser narradores. A preparação psicológica de Thomáz Aquino e Monalize Mendonça para as cenas de nudez do espetáculo também precisam ser levadas em consideração, passar por cima dos pudores enraizados em nossa sociedade não é simples. Isso explica a classificação de 18 anos do espetáculo.
As luzes também guiaram o público. A intensidade delas modificava para indicar passagem de tempo e desviar a atenção do espectador para determinados locais do palco, que foi improvisado e cresceu consideravelmente graças ao jogo de luzes.
Os sons foram utilizados para dar ritmo à trama, como já disse. Eles desviavam a atenção do público enquanto os atores adicionavam objetos e modificam a organização do cenário. Vale salientar que não podiam contar com camarim, dada a simplicidade do Compassos. É por isso que eles quase não mudam o figurino, que também é simples para estar em sintonia com o sertão nordestino. Além disso, as letras das músicas de tom lírico cantadas também pelos atores ajudavam a contar a história. Entretanto, não gostei de algumas falas que foram musicadas, achei o apelo musical excessivo em alguns momentos. A percussão presente em algumas cenas também não agradou. Desviou um pouco a minha atenção e acredito que a do restante do público também.
Ao afinal da peça, uma surpresa. O diretor apresentou-se e abriu espaço para discussões e debates. O público pôde, então, questionar, perguntar e conhecer um pouco mais sobre a produção de uma peça, a preparação dos atores, o texto encenado, assinado por Cláudia Barral, e até sobre as dificuldades de fazer teatro alternativo no Recife. Foi aí que descobri que Tereza existiu, aquela era uma história construída a partir de fatos reais. Como aprendi ao longo dos 90 minutos que passei dentro do Espaço Compassos, se não for contada, a história deixa de haver. E a história de Tereza foi imortalizada. Sabe quanto custa para conhecê-la? No máximo a passagem de ônibus ou o dinheiro da gasolina. A peça é de graça e acontece às 19h das sextas-feiras.

Peça segue em cartaz até o fim de novembro

Como dançar a morte?

Como fazer o corpo mover-se, invocando o que em si marcou a perda, a dor, a saudade, o medo, o vazio, a raiva, a impotência, a angústia, o desespero, ou mesmo o alívio e a força que confluem, alternam-se, mesclam-se no enfrentamento do morrer?

Por Clarissa Dutra

As diversas formas de encarar a morte. Complexo, não? É baseado nesta temática, que o Espetáculo “Leve” estreou em Recife (julho/09), no Teatro Hermilo Borba Filho. Foi o primeiro trabalho de criação das artistas Maria Agrelli e Renata Muniz. Ambas atuam como bailarinas, coreógrafas e professoras de dança na cidade e, através de suas experiências artísticas e um cuidadoso trabalho de pesquisa, mergulharam no (pro)fundo universo da perda e, conseqüentemente, das reações fragmentadas desse sentimento.

Financiado pelo Fundo de Incentivo a Cultura de Pernambuco (Funcultura), o espetáculo transporta para a cena as sensações, os sentimentos e os questionamentos do ser humano diante da morte. As criadoras-bailarinas cuidaram de cada detalhe: cenário, iluminação, música e o trabalho coreográfico. Juntas (apesar da Renata ser uma “gigante”, em altura, na frente da Maria), são de um embalo extremamente harmônico. Elas tornam-se únicas. A dor de uma é sentida na outra. São corpos que se tocam, presentes e submersos em ausências compartilhadas.

A peça gira em torno de uma melancolia agoniante. Eu não sabia se fechava os olhos ou tapava os ouvidos. Se confessava (pra mim mesma) um espanto incalculável ou saberia dizer quantas luzinhas, quantos pingos de suor ou movimentos de braços e pernas continham ali, naquele espaço quase minúsculo de palco. Tudo era muito dúbio. O ar-condicionado ligado, mas um calor abafado na nuca e no corpo inteiro. Minha posição era estática, mas todo o meu corpo se balançava dizendo “sim” a cada gesto que faziam – como se entendessem, como se aqueles sussurros fossem ditos pra mim, pronunciando o que eu já sabia, sentindo a mesma coisa que eu sentia. A morte fica muito próxima da gente. Eu não conhecia aquelas bailarinas, mas sabia o que elas queriam dizer - o sentimento do humano em relação a perda.

Na minha experiência pessoal, felizmente, não existem grandes perdas. Mas a morte da minha avó, em 2004, me trouxe sensações extremas – nunca sentidas anteriormente. A sua lembrança me veio à tona, como uma maré. As lágrimas rolavam dos olhos, caindo salgadas na minha boca – que não pediam nada. Eu não pedia aquilo, não queria relembrar todos os instantes que não tinham explicação e nem o impacto dilacerante que a perda me causara, no entanto, fez o espetáculo ficar vivo em mim. Feito uma ausência que fica ali ou aqui, presente. Uma lembrança que sabe o porquê de existir: saudade, saudade.

São essas sensações de saudade, dor, raiva, impotência, confusão e alívio que se mesclam em cena. Utilizado o exercício do desapego e a recepção da morte, as bailarinas tentam traduzir na dança. Não utilizam apenas recursos cênicos, como estrutura física, iluminação ou figurino – que dialogam com o espetáculo e traz noções de leveza e fluidez temática, mas, essencialmente, é o corpo, por meio das metáforas dos movimentos, que há presença (ou ausência) da vida e de significados que revelam a ausência (ou presença) da morte.

Os poemas citados e a trilha sonora (criada pela Isaar), ainda hoje me acompanham. A junção da rabeca, violão e violoncelo é completamente bela. A música parece aqueles lamentos cantados nos velórios do Sertão nordestino. Ficam impregnados. Latejando alguma coisa que nunca se submerge.

Não dá pra definir uma única sensação. Eu poderia fechar os olhos e ainda sim, sentir as coreografias na minha cabeça, no corpo. Sabe quando você precisa fechar os olhos pra enxergar?

Saí do espetáculo pesando toneladas.

Serviço

Espetáculo de dança - "Leve" | Renata Muniz e Maria Agrelli

Processo de criação: http://levediario.blogspot.com